"Botonofobia"

En esta oportunidad, y sin dejar de disculparme por mi ausencia del ciberespacio, decidí comentar una película realmente "exquisita" (si este adjetivo cabe para una película).

Estrenada como Coraline, basada en la novela homónima de 2002 de Neil Gaiman y conocida en España como Los mundos de Coraline, y en Argentina como Coraline y la puerta secreta.

Fue promocionada como la película dirigida por el visionario director de "El extraño mundo de Jack", cosa que confundió a varios ya que dicho director no fue Tim Burton, sino Henry Selick. Además varias imágenes del trailer nos hicieron recordar mundos oscuros y burtonianos, de ahí la confusión.

Sin embargo debo decir que ningún fanático de Tim Burton podrá sentirse decepcionado por está maravillosa película, tanto en lo estético, como en lo narrativo, como en el mundo diegético de stop-motion creado.

El film cuenta la historia de Coraline, una pre-adolescente aburrida de su nueva vida en el pueblo, aburrida de sus padres y de su mundo gris. Como es habitual encontrar en las películas de Tim Burton (quien obviamente ejerce influencia sobre Henry Selick), en Coraline, se nos presenta un contraste de dos mundos, uno gris y aburrido, y uno alegre y colorido. Si analizamos la filmografía de Burton, encontramos esta particularidad en películas tales como Beetlejuice, El cadaver de la novia y El extraño mundo de Jack. En Coraline este mundo paralelo y lleno de color tiene algo de extraño y perverso, empezando porque todos allí, en lugar de ojos tiene botones. Algo hace que el espectador dude de que este mundo pueda ser tan perfecto, y esa duda será finalmente confirmada.

Esta cinta fue la primera en combinar la animación en stop-motion con el 3D, sin embargo, la película duró poco tiempo en cartel, y sólo pudo ser vista en las salas 3D, de altísimos costos, pero ahora que ya está disponible para todos en DVD, es posible que muchos que la hayan pasado por alto puedan maravillarse con una obra simple y perfectamente realizada, que podrán disfrutar grandes y chicos. Una obra que no necesita recurrir a recursos edulcorados, para conseguir su cometido, demostrando una vez más que las películas para chicos no tienen que ser tontas y vacías, y llenas de animalitos que cantan (aunque en Coraline canten...).

Cuando pensamos que todo estaba dicho en el séptimo arte, llega Coraline para sorprendernos, sobretodo a los más prejuiciosos.

Un absoluto placer visual, que no descuida la narración.

Una película dedicada a mi hermana Belén (que tiene fobia a los botones....)

Ojalá pronto se estrene "9" de Tim Burton (que tenía fecha de estreno el 9/09/2009, y donde está?), y el 05/03/2010, podremos deleitar nuestros ojos con "Alicia en el país de las maravillas", obviamente ambas, tendrán su lugar en este espacio.

Hasta pronto.

"Mi novia la sociedad conservadora"

Como no dedicar una reseña a esta película que ocupó mis pensamientos durante varios meses. Estoy hablando de "Mi novia el travesti", estrenada bajo el título de "Mi novia el" en marzo de 1975. Por aquellos años la Argentina atravesaba épocas difíciles previas a la dictadura del año 1976. En lo cultural toda película pasaba por las tijeras de Miguel Paulino Tato, interventor entonces del Ente de Cinematografía, a quien Sui Generis dedico la famosa canción "Las increíbles aventuras del Señor Tijeras".
Lo interesante de este film es que va más allá de las típicas películas de Olmedo y Porcel. Lo cierto es que en la facultad nos propusieron hacer un trabajo de investigación sobre esta cinta, recolectando toda la información posible, tanto de revistas, diarios y libros, como también tratar de contactar a alguno de los participantes, de los pocos que quedaban vivos...
Y bueno, de esa búsqueda, y de las atareadas mentes de tres jóvenes, salió un trabajo mas que completo, que me permitió observar la película con otros ojos.
Debo admitir, que cuando vi "Mi novia el travesti" (en VHS, por supuesto) no me generó ni una sola sonrisa, pero despúés pude descubrir que la película pretendía algo más, algo bastante inusual para la época, que debemos en su mayoría a la inteligencia del dramaturgo y guionista Oscar Viale. Lo que se propuso este señor (con cara de gordito simpaticon), fue hacer una película en la cual se reflejara una crítica al absurdo machismo imperante en aquellas oscuras épocas de nuestro país.
Entonces como resultado, tenemos una película industrial, que apoya su éxito de taquilla en las reconocidas figuras de Alberto Olmedo y Susana Giménez, pero que intenta abrir los ojos de los espectadores. Es cierto que muchos de los espectadores de la época no pudieron (o no quisieron) ir más allá, y sólo se quedaron con el film cómico y vacío de contenido.
Lo más destacable es el final, tan distinto al de otras películas de Olmedo, que continúan con el tono jocoso que las atraviesa, aquí en el final nos queda un gustito amargo, y una pregunta: ¿Hacer lo que la sociedad espera que hagamos, nos hace realmente felices?...
Es realmente una película distinta, a la que deberíamos darle una oportunidad, para recordar viejas épocas, o bien para conocer como eran las cosas en aquel entonces.
Y otra cosa extraña, el personaje de Susana Gimenez (la diva de la televisión), supuestamente es un travesti, de ahí el título de la película, y de ahí que en los programas de mano de la época se la presentara con este epígrafe: "Será nena, será varón. Que problemón!"
Imperdible: Susana cantando: Me gusta ser una chica, me gusta ser tu mujer....
El que la quiera ver, y tenga una cassetera, sólo chifle....
PD: Para que la historia del trabajo de la facultad tuviera un final más que feliz, la diva y ex de Rama debería haber contestado nuestros llamados....no importa, María Rosa Fugazot fue una mejor experiencia....
Hasta la próxima, y perdón por las demoras.....

"La bola que rebota en la cabeza de ese niño..."

Vamos a continuar con las reseñas de películas, en este caso espero salga un poco más feliz que la anterior, si se me permite la utilización de dicho término.
Cuando se estreno esta cinta recibí muchos comentarios de que tenía que ir a verla, pero el tiempo paso, y la vi recién este lunes en DVD. La realidad es que temía que me dejara un sabor de boca amargo, y algo así pasó.
Estoy hablando de "Leonera", quinto largometraje de Pablo Trapero. De sus cintas yo sólo había visto "El bonaerense" y "Familia rodante" (aunque debería ver "Mundo grúa" para la facultad...), lo que ocurrió es que no parecen ser del mismo director, "El bonaerense" me resultó algo 'chata', como vacía y bastante pobre en lo que hace a la narración. En cambio "Familia rodante" me pareció muy buena, y recomendable para todos aquellos que pertenezcan a familias numerosas, el sólo hecho de imaginar a toda la gran familia dentro de una precaria casa-rodante es suficiente para que nuestro estómago se revuelva. El resultado es una película lenta, pero realmente llevadera, que no se si podrán disfrutarla aquellos que conforme una pequeña familia...
Pero hablemos de lo que nos importa ahora, "Leonera", un film que trata un tema muy duro pero real, la vida en la cárcel de las mujeres junto a sus hijos (menores de 4 años). La película puede parecer densa en un comienzo, pero la evolución del personaje de Julia ( Martina Gusmán, esposa del director) está excelentemente lograda. Martina no tiene otra salida que amoldarse a la vida en el penitenciario, y aferrarse a lo único que tiene, su hijo Tomás, de ahí el título de la cinta, por el cuidado que brindan las leonas a sus cachorros. Lo que más me sorprendió de "Leonera" es el tratamiento de la imagen, al ver una escena del film nadie supondría que se trata de una película argentina, la fotografía y los movimientos de cámara son realmente dignos de destacar.
No se olviden que para ver esta película, seleccionada para participar en el Festival de Cannes, hay que estar realmente decididos, por que el sabor amargo del final es dificil de quitarse.
Imperdibles los créditos iniciales con aquella canción infantil que combina perfectamente la dulzura y amargura que representan al film, creo que nadie que haya visto esta película ha dejado de cantar: ' Oi, Oi, Oi, mira aquella bola...'
Igual me quedó grabada en la retina la gorda que se le acerca a Julia en su primera ducha en el pabellón, esa situación es realmente generadora de pesadillas........
Los dejo, hasta la próxima reseña....

¿De quién es esta película?

Siguiendo la línea de películas que tiene por título una pregunta, vamos por esta.

Desde que empezaron a aparecer en las calles los afiches de esta cinta me sentí realmente intrigada, sobretodo por la estética que se le dio a esos ojos, esas bocas y esos colores de fondo.

Deje que pasaran las semanas, y no leí una sola crítica de este film. Finalmente caí en la trampa de la piratería, si es cierto que me estoy contradiciendo a mi misma, pero después de haber visto la primer cinta de este cantante que se cree director (léase "Vidas Privadas", la ópera prima de Fito Paez), decidí que no valía la pena invertir $20 en esta película.

Claro está que estoy hablando de "¿De quién es el portaligas?", estrenada el año pasado, con un título que también invitada a verla, o aunque sea darle una ojeada....

Y bueno, así llegó el día, una tarde de lunes lluviosa y al pedo, me decidí a verla, sin la más mínima expectativa (y suerte que no había expectativa, sino no se que hubiera ocurrido).

Es fácil de explicar, son los años 80, en Rosario Santa Fe, 3 amigas + drogas +alcohol+hombres + tráfico de órganos (si, si, y no se alarmen que eso no es lo más ridículo).

La película no se sostiene de ninguna forma, la narración es desastrosa, y el director no se decide si quiere hacer una película absurda, un drama o una comedia.

Y lo peor de todo no es eso, lo peor es que su más profundo deseo es parecerse al gran maestro Pedro Almodóvar, que como ya dije anteriormente es un experto en la estética del film, y por sobretodo en la estética de los años 80. Es así que el Sr. Paez pretende copiar ese tratamiento del film, empezando por los colores, el vestuario y lo ridículo. Paez pretende que nos riamos del drama, pero no lo consigue, en cambio Almodóvar nos muestra a una Carmen Maura bañada en sangre y logra el efecto deseado.

Lo más increíble de todo en "¿De quien es el portaligas?" es la escena que evoca a la gran película de Francis Ford "El Padrino", en la cual aparece Fena Della Maggiora cual Vito Corleone, pero con un muy mal maquillaje, que hasta un niño de tres años podría distinguir que ese señor no es gordo, que ese señor no habla ni inglés ni italiano, mejor sería que no hable....

Creo yo que si llegando al final de la película se le hubiera dado una vuelta de tuerca y todo lo que vimos hubiera sido una broma armada dentro de la diégesis del film, el espectador sonreiría un poco cuando transcurren los créditos finales con fondo musical del músico/director...

Se que he sido un poco agresiva, y se que la intención de este blog no era desfenestrar películas sino recomendarlas, pero bueno, por algún lugar hay que descargar...

Para los que de todas formas quieran ver esta película: imperdible el accidente de Leonora Balcarce y el freno de la moto clavado en el pecho....

Nada más por ahora.

Sigamos viendo cine.

Quien quiere ganar muchos Oscar???

He vuelto, y por lo visto yo no seré millones... pero los que si serán millones son los productores de este nuevo film, "Slumdog" (o "Quien quiere ser millonario" para los argentinos).

Bueno, para empezar este 2009 (un poco tarde, pero siempre seguro) voy a darles mi opinión acerca de esta película rodada íntegramente en la India pero dirigida y producida por lords británicos.

La película cuenta la triste vida de Jamal Malik, pero lo interesante es que para justificar cada racconto la excusa es el programa de televisión mundialmente conocido y llamado 'Quien quiere ser millonario?' (Que en estas tierras argentinas duró muy poco al aire...). La idea es que a través de cada pregunta que se le hace a este joven de 18 años, nos remonta a su pasado, para que juntos descubramos como es que este inculto joven puede contestar correctamente.

Lo cierto es que es una cinta que he disfrutado mucho, sobre todo porque no son imágenes que uno este muy acostumbrado a ver, ya que la India es para nosotros un país verdaderamente remoto. Aunque por más remoto que sea nadie puede discutir que cuando vemos las imágenes del río de Bombay (o Mumbay) todos nos acordamos un poquito de nuestro tan maltratado Río de la Plata (Cuando lo vas a limpiar María Julia???).

Al final lo que ocurre es que por más rebusques de guión y raccontos, esta es en definitiva una película de Amor.

Pero el tema que nos concierne ahora son las 8 estatuillas que recibió esta película en la pasada entrega de oscar sucedida el 22 de febrero pasado. Yo no soy quien para decir que se merecía o no, se que los oscar a mejor fotografía y montaje realmente fueron bien merecidos. Lo que me hace ruido es lo de "Mejor película", porque la pregunta que todos nos hacemos es: ¿Se merece "Slumdog Millonaire" estar entre las mejores cintas de la historia?. Donde quedaron películas como "Casablanca" o "Lo que el viento se llevó", donde quedó esa idea de premiar a esas verdaderas obras maestras, donde quedó ese interés por premiar a lo novedoso, a lo transgresor, a lo vanguardista. Ya sé que estoy pidiendo peras al olmo, porque Hollywood ya no es lo que era, y ha dejado su época dorada muy atrás. Que podrían premiar en la actualidad si lo films carecen de originalidad, y la industria esta falta de nuevas ideas, por eso no les queda otra que hacer remakes de exitosas cintas del pasado, o norteamericanizar cintas orientales...

No me quiero ensañar con "Slumdog.." porque en definitiva es una muy buena película, novedosa por las locaciones elegidas e interesante por el modo en que está narrada. Sólo les pido que los que puedan vean este film y se pregunten en su cabeza si realmente era para generar tanto escándalo. Obvio que ahora muchos de los que la consideraron una película menor y pasajera, van a ir corriendo al cine a ver de que se trata todo esto, porque nadie quiere quedarse afuera de todas las conversaciones.

Pronto volveremos a encontrarnos.

Espero ansiosa sus comentarios...

"La familia unida"

Estrenada el 6 de mayo de 1985 con dirección de Alejandro Doria, y basada en la obra de teatro homónima del uruguayo Jacobo Langsner, como no iba a tener su comentario en este espacio una de las cintas que ha sabido hacernos reír de nuestras propias miserias...
"Esperando la carroza" cuenta con las maravillosas actuaciones de China Zorrilla, Luis Brandoni, Betiana Blum, Juan Manuel Tenuta y por supuesto Antonio Gasalla en el papel de la inolvidable Mamá Cora.
Considero que es una película que nadie debería dejar de ver, ya que en tono de grotesco y comedia criolla nos muestra nuestras propias bajezas.
La cinta mantiene claramente la tradición teatral, las tomas y los diálogos están encarados de manera tal que parece que estuviéramos en un teatro, utilizando muy poco el recurso del fuera de campo.
Los personajes son arquetípicos, tenemos el hermano rico soberbio y tránfuga, la hermana pobre y alejada de la familia, la vieja chusma de barrio, la pobre mujer sufrida y la abuela vieja y amnésica que parece ser una molestia para todos.
Como no conseguir un film maravilloso e hilarante si juntamos a todos estos personajes en una vieja casa de barrio, un domingo caluroso de verano, y a eso le sumamos el supuesto suicidio de la pobre vieja.
"Esperando la carroza" es una sucesión de frases que ya han trascendido la propia historia, y que todos repetimos y repetimos... Como olvidar la escena de los flancitos hechos con la mayonesa, como olvidar las tres empanadas, como olvidar la pobreza digna, y como olvidar el "yo hago ravioles, ella hace ravioles..."
Volver a disfrutar esta cinta, cada vez que Volver o Telefé la insertan en su programación, puede resultar realmente atractivo, pero no olvidemos que todo lo grato tiene algo de desagradable, es que al ver la película podemos descostillarnos de risa, pero ésta nos muestra algo que en realidad no queremos ver, que es nuestra propia realidad, es como ver en el espejo nuestro "ser nacional"... La pregunta es: Realmente queremos que ésta sea nuestra realidad nacional??? eso depende de cada uno de nosotros....
Dejando de lado el nacionalismo, vuelvo a repetir, que no dejemos de ver está cinta y que no dejemos de lado nuestro cine nacional, que tanto tiene para brindarnos a los espectadores, no nos quedemos con el sabor amargo de películas que repiten hasta el hartazgo la realidad social en tono de documental, considero que no hace falta que una cinta sea lenta, aburrida y sin diálogos para poder transmitir un mensaje, el grotesco es un buen camino, y nuestros primeros directores de teatro sabían manejarlo a la perfección...

Me olvidaba.....ojo que tienen planeado estrenar "esperando la carroza 2", y sin Mamá Cora....no existe....sin mamá Cora no hay historia.....pero esperemos para ver que sale....y que no sea nada más que una estrategia de mercado....

Una joyita para terminar: La escena de Doña Elisa cantando y Pinti borracho tratando de que la escuche....sin palabras.

"La belleza ha muerto...?"

Este año estaba cursando una materia en la facultad titulada "Análisis de películas y críticas cinematográficas", cuando llegó el segundo parcial se me pidió que analiza la tan premiada obra de Sam Mendes, American Beauty, o Belleza Americana para los argentinos.

Lo más curioso es que yo ya la había visto varias veces, sobretodo porque nuevamente el cable nunca se cansó de pasarla (donde esta la posibilidad de elección en el cable si a la misma hora , en tres canales diferentes están pasando la misma película???), pero debo confesar que la primera vez que la vi no tuve la capacidad de descubrir las maravillas que esconde este film, sobretodo en cuanto a recursos cinematográficos.

Para empezar, y esto es lo que nos debería llamar la atención a todos, la película está narrada a través de la voz de un hombre, Lester Burnham (Kevein Spacey), pero este hombre ya está muerto, y se toma el trabajo de comunicarnoslo en los primeros minutos de la cinta. Entonces, desde donde nos habla, desde el más alla???.

Por otro lado, y continuando con los recursos cinematográficos, esta la idea de cine dentro del cine, es decir que dentro de una película, se usa otra película para narrarnos algo. El encargado de la 'segunda' película es Ricky Fitts, el extraño vecino de junto. que nos demuestra a través de sus videos que la belleza puede estar en las pequeñas cosas. Este recurso resulta más que atractivos, sobre todo cuando le muestra a Jane la filmación de la bolsa plástica flotando (escena revisitada hasta el hartazgo, incluso repetida en Forrest Gump, pero esta vez con una pluma), en ese momento nosotros ocupamos el mismo lugar que Jane y Ricky, somos espectadores, y en un plano en particular vemos la pantalla de televisión de frente y a los dos jóvenes de espaldas, y por supuesto hay un lugar en el centro del plano destinado especialmente a nosotros.

Podría escribir cientas de líneas sobre este film, pero creo que lo más importante es que todos lo puedan ver, o lo vuelvan a ver, y saquen sus propias conclusiones. Yo considero que este film es una fábula de la clase media americana, y como toda fábula nos deja una enseñanza, que nada es lo que parece, o dicho de otro modo, que las apariencias engañan, y que cuando uno crea haber llegado a ese estado de perfección que la sociedad nos impone como tal, se da cuenta que eso no es lo que quería para sí, que uno puede hallar la belleza y la perfección en otras cosas...

No podemos dejar de lado la brillante actuación de Kevin Spacey, sin él la película nos sería lo que es, y nadie como él podría haber hecho realidad la historia de este 'pobre hombre'....

Para terminar les dejo una frase con las que finaliza la película:

“Es difícil estar enojado cuando hay tanta belleza en el mundo…”

"Antes que Woody sepa que existe está película..."

Dejando de lado ,sólo por un rato, el cine clásico decidí comentar en esta oportunidad una película recién salida en DVD que duro muy poco en nuestras salas. Estoy hablando de "Antes que el diablo sepa que estás muerto", dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke en los papales de dos hermanos desesperados, desesperados por el dinero, desesperados por salvarse.

Lo cierto es que lo que me llevó a ver está cinta fue su original título, que por suerte en Argentina se mantuvo fiel al original. Estas películas de títulos extensos siempre suelen llamarme la atención, tal es el caso de "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos", la cual disfrute ver cientos de veces, en especial por que hay canales de cable que se ensañaron con ella y no dejan de pasarla.

Pero volvamos a lo que nos trajo hasta aquí, "Antes que el diablo sepa que estás muerto" es un film que se caracteriza por la originalidad de su narración. El relato está contado a partir de la mirada de cada uno de los hermanos y de su padre, el tiempo va y vuelve, pero eso está claramente marcado a través de títulos en pantalla. El punto de partida es El día del robo, y esa es la situación que dispara la trama del film, y a aquella situación vamos y volvemos. Por momentos podemos sentirnos algo perdidos, pero luego retomamos el camino.

Para muchos puede ser una película difícil de ver, ya que varias escenas se mantienen en silencio, y la acción es bastante pausada, concentrándose en su mayoría en los últimos minutos.

No creo que estemos frente a una obra admirable por su originalidad, porque la temática de los robos que no salen como lo planeado y terminan por cambiar por completo la vida de los personajes, no son complicadas de encontrar, pero estimo que sí es arriesgada en cuanto a la narración.

No podemos dejar a un lado la actuación de Philip Seymour Hoffman en el papel de Andy. Cierto es que es tarea ardua intentar ver a este actor y no verlo como Capote, papel que le salió muy bien, lástima que la cinta me fastidió un poco. Pero en "Antes que el diablo..." realmente se luce, y maneja muy bien los silencios y las situaciones límite.

No pretendo con este comentario recomendar la película a cualquier, es más todavía no estoy segura si la recomiendo, yo aún la estoy meditando en mi cabeza, sólo puedo decir, que en estos tiempos de remakes, este es un film bastante original, y que logra su cometido, que por cierto no es entretener, sino que estemos atentos y vayamos atando cabos, para terminar angustiándonos un poco y con un sabor amargo en la boca...

Sólo quiero dejarles, para quienes les interese, la frase con la que comienza la película:

"Ojalá puedas estar media hora en el cielo... antes que el diablo sepa que estás muerto".

Un thriller...Un drama...

Una oda a la elipsis...Un juego de gramática cinematográfico...

Una película....(que por momentos nos recuerda a "El sueño de Cassandra", pero supongamos que fue en honor a..., y no copiando a...)

"De entre los muertos"

Cuando decidí abandonar la carrera de Arquitectura y adentrarme en el mundo de las artes, lo primero que descubrí fue a un gordito con mirada misteriosa que hacía maravillas detrás de cámara. Quien otro podía ser que el gran maestro Alfred Hitchcock. Y en este caso decidí comentar la obra que realmente me dejó perpleja, "Vértigo".
Desde que empecé a ver sus obras cada día me sorprendo más, y eso que son muchísimas, y aún no las he visto todas, pero mi meta es llegar a conocer la obra completa de este gran director.
"Vértigo" es una de sus obras maestras, y creo que estas palabras le quedan chicas.
Es una historia que te mantiene atrapado de principio a fin, podría decir que es una maravilla del suspense.
Con las actuaciones de James Stewart y Kim Novak, esta cinta nos habla de la identidad, de las pulsiones, del amor, de los miedos. Es una mezcla perfecta de cada uno de sus ingredientes, plagada de escenas de persecución, pero de persecución lenta y pausada, que obviamente contribuye al suspense.
Una vez que accedemos a este film, queda grabado en nuestras retinas, con sólo ver uno de sus fotogramas, ya podemos tener la certeza que estamos frente a "Vértigo", esos colores, esas tomas, y esa escena onírica arriesgada y chocante para la época.
La música siempre contribuye al misterio, y sobre todo los pequeños detalles, esos detalles que cobrarán sentido una vez que se acerque el final.
Creo que en este film se habla acerca de lo que significa la imagen, porque Scottie (Stewart) se enamora de una imagen, y es eso lo que lo perturbe, y es eso lo que persigue.
Hipnosis, Misterio, Muerte, Inquietud..........Vértigo........
Podría escribir y escribir, pero prefiero recomendarles que vean esta cinta y se den la oportunidad de disfrutarla, creo que no hacen falta preámbulos.
Y como esta película no fue reconocida en su época, podríamos terminar diciendo que el cine de Hitchcock es como un buen vino, cuanto más añejo, mejor se disfruta....
Gracias maestro!!!!

"De pasiones y pinceles"

He aquí una cinta digna de ver, no por su exactitud histórica, ni por que su director sea un gran maestro, sino por lo que consigue. Consigue darnos una visión del sufrimiento de un artista plástico a lo largo de su carrera. Los pormenores que debe atravesar para ser aceptado por un mercado que muchas veces olvida a los grandes maestros, un mercado que los reconoce recién después de su muerte.

Creo que este film, "Modigliani" (a secas) tiene un gran valor emotivo, realmente consigue tocar al espectador y logra interesarlo por lo que es el arte.

Debo reconocer que la actuación de Andy García ayuda mucho a completar esta triste historia. Con lo que no estoy de acuerdo es con el papel que se le da al Sr. Picasso, creo que se proyecta una imagen estereotipada del mismo, y que se enaltece una disputa entre ambos artistas que no fue tal.

Vale destacar algunas secuencias de este maravilloso film, como cuando Picasso invita a ¨Modi¨a dar un paseo y le dice: "Ahora vas a conocer a Dios", y que otro Dios podría ser para un pintor radicado en París allá por el año 1919, que el gran maestro Renoir. Las secuencias dignas de mencionar incluyen aquellas que muestran la vida cotidiana de varios artistas de aquella época, como era pasar las noches en el Café Rotonda de Montparnase, los encuentros entre pintores tan distintos y tan parecidos a la vez como Diego Rivera, Utrillo, Soutine, Picasso, Modigliani, etc...

La otra secuencia a destacar es la secuencia de la creación, creo que plantea todo un dilema, cinematográficamente hablando, que es como plasmar en imagen y sonido, un momento tan particular y personal como es el momento de la creación, la música que acompaña esta secuencia creo que esta perfectamente elegida, una música casi de Iglesia. Y nada más lindo que el momento en que finalizan los cuadros y como gesto rompen sus pinceles...

Si continuo escribiendo les arruinaré a varios el placer de ver esta película.

Sólo sientense cómodos y disfruten un bella cinta, sean amantes de las artes o no, por que todos somos amantes de algo, y las pasiones es algo que podemos lograr entender todos...

"Creando climas"

Como no iba a tener su comentario aquel gran director de cine contemporáneo, que tantas obras maestras ha realizado para la historia de este séptimo arte. Aquel hombre, pequeño y neurótico, que supo ser el icono de Nueva York y ahora decidió mudar su genialidad a la lúgubre y brumosa Londres.

De quien más podíamos estar hablando que del Sr. Woody Allen, en este caso de su última película estrenada en Argentina, "El sueño de Cassandra", que sigue la línea de la exitosa "Match point" que volvió a ponerlo en boca de todos.

En este caso eligió trabajar de la mano de Colin Farrell y Ewan Mc Gregor, dejando de lado, pero sólo por un rato, a su joven musa inspiradora Scarlett Johansonn (antes solía ser Diane Keaton).

Lo más interesante de este policial negro, es la manera en que Allen va creando climas, y en especial como nos sumerge en el suspense, por que la realidad es que uno, como espectador, se empieza a sentir muy tenso cuando la película esta llegando a su recta final. Allen consigue planos perfectamente enlazados con la música que logran que por momentos pensemos, por favor que pase algo, la tensión me va a matar...

Es cierto que se toma gran parte de la película para describir a los hermanos Ian y Terry (Mc gregor y Farrell) y la situación que atraviesan ellos y su familia. Pero eso nos pone aun más tenso, parece que no pasa nada, pero pasa...

La verdad es que realmente disfrute esta cinta, casi tanto como "Match Point", y esta más que claro que Woody Allen es un gran director, que supo hacer obras maestra, pero que por sobre todas las cosas, hace buenas películas. Puede gustarte o no el cine de Allen, pero nadie puede negar que es más que un buen director, y que lo que hace, lo hace muy bien.

Brindo con un Manhattan por Woody (no el protagonista de "Toy story"...), y porque continué por el camino de la tragedia y el policial ....Gracias Woody por enseñarme todo lo que me enseñas sin siquiera conocerme...

"Sentir...que es un soplo la vida..."

Con motivo de mi regreso al blog, que mejor película para comentar que "Volver" de Pedro Almodóvar.

La realidad es que es una excusa para hablar de este gran director español, que tiene una marca personal que lo hace inigualable. Si miramos todas sus películas podemos ver que la estética de los años 80 es una constante, incluso en sus films más recientes. El color rojo, la ropa algo ridícula, y como olvidar esos aros de cafeteras de "Mujeres al borde de un ataque de nervios"...

Pero pasemos a esta particular cinta del año 2006, en la que se destaca la actuación de la siempre fabulosa Carmen Maura.

Esta película cuanta las historia de tres generaciones de mujeres que viven y sobreviven, aunque no todas viven, algunas regresan para resolver serios asuntos pendientes.

No olvidemos que las historias de Almodóvar siempre tienen algo de rebuscado y retorcido (si quieren ver las más retorcidas de todas les recomiendo "Hable con Ella" y "La mala educación") por eso su cine no es masivo, y hay que tomarse el trabajo de entender que es lo que nos quiere decir Pedro al final.

"Volver" cuenta tambien con la actuación de una de las latinas aceptadas y reconocidas por Hollywood, Penélope Cruz, que con su papel de Raimunda no nos termina de convencer, pero igual se merece que la acompañemos a lo largo de toda la cinta (menos cuando hace que canta).

En sintesis esta película esta llena de situaciones que van desde lo hilarante a lo conmovedor, cada cosa en su justa dosis.

No puedo afirmar desde aqui que este sea un film para todos, pero si que es una cinta que merece su lugar en la historia del cine.

Quien tenga un tiempito deleitese con el Almodóvar de hoy, de ayer y de siempre...

"La sorpresa ante la fantasía"

En esta oportunidad decidí comentar las película que más he disfrutado en el cine en estos últimos años. Estoy hablando de "El Laberinto del Fauno", dirigida por Guillermo Del Toro, y protagonizada por Ivana Baquero, Maribel Verdú y Sergi López entre otros.

En nuestro país se estrenó en el verano del 2007, verano cargado de grandes estrenos que todos esperaban, uno de ellos fue "Babel", cinta de Gonzalez Iñarritu, que me intrigaba muchísimo, y que luego de una visita por las salas de cine me hizo sentir más que decepcionada. Ese verano no sólo me lleve la decepción de "Babel", sino también de "El gran truco", dos películas que yo realmente ansiaba ver pero que en ambos casos debí intentar luchar contra el profundo sueño que me generaron, por cierto varias escenas de las dos cintas han quedado para mí disueltas en lo más profundo mi inconsciente, por que la verdad me quedé dormida...

Pero luego llegó la sorpresa, cuando me invitaron a ver una película de la cual no sabía nada en absoluto, no tenía ninguna referencia. Y la sorpresa fue ver esta película que nadie debería perderse, una cinta que no tiene edad ni nacionalidad, una excelente metáfora del dejar atrás la niñez.

"El laberinto del Fauno" cuenta la historia de Ofelia, una niña de 13 años que se muda con su madre hasta un pequeño pueblo, allí Ofelia descubrirá las ruinas de un laberinto y conocerá a un fauno que le revela que ella en realidad es una princesa y la han estado esperando.

La fantasía se mezcla con la cruda realidad del franquismo en España. El manejo narrativo del director para pasar de un ámbito a otro es digno de admirar.

La creación del espacio de la fantasía también es algo para destacar, hay espacios realmente surrealistas y dificiles de explicar con palabras, hay que verlo y regocijarnos en la imagen que nos tiene para brindarnos este film.

Lo cierto es que no se como expresar realmente lo que está película me generó, porque se da lugar a sentimientos encontrados, alegría, tristeza, suspenso, curiosidad, esperanza... Pero se que muchos salieron lagrimando luego de verla....

Pero atención, hay algunas escenas que son realmente fuertes, y que exigen que alguno tengamos que taparnos los ojos, como mecanismo defensivo, por lo tanto traten de no verla acompañados de niños demasiado pequeños e impresionables.......

No tengo más que recomendarles nuevamente que no se pierdan este film, que es una verdadera explosión de magia y fantasía. Lo que deberán decidir al final es si la riña interna en cada uno de ustedes la gana la fantasía o la gana la racionalidad. En mi caso por extraño que sea, ganó la fantasía y la esperanza....

Espero sus comentarios...

"El sueño cinematográfico"

Una nueva película para recomendar. "Sueños de Arizona" de Emir Kusturica. Quienes conocen a este director balcánico saben que les espera, quienes no lo conocen y desean conocerlo les recomiendo que empiecen por ver "Gato Negro, Gato Blanco" o la ya clásica "Underground", en la que se lleva todos los premios la banda sonora, pero es bastante dura.

Si buscamos un punto en común entre todas sus películas, podríamos concluir que su marca es mostrar la cruda realidad entremezclada con los sueños y deseos de los personajes.

Pero pasemos a la película que nos compete, "Sueños de Arizona", estrenada en 1993 y protagonizada por Johnny Deep, Jerry Lewis, Faye Dunaway y Lili Taylor. El film cuenta la historia de Axel (Deep) y su regreso a la pequeña Arizona de su niñez.

La música como siempre pasa a ser un personaje más, en esta cinta la canción principal se repite y se repite, y uno no puede sacársela de la cabeza.

Hay dos cosas que son imperdibles de disfrutar y brindarles la atención que se merecen, la primera son los movimientos de cámara y los cortes. Fijense bien cuando Faye Dunaway esta sentada en una mesa junto a Axel y le está contando sus sueños de volar, como la cámara hace que los personajes parezcan levitar, y que nosotros como espectadores podamos acompañarlos en ese viaje, en ese sueño.

Lo segundo que no nos podemos perder es la cena a la que concurren Axel y su primo en la casa de Elaine (Dunaway) y su hija, esa escena es realmente hilarante, una situación completamente bizarra completada con ventiladores que en realidad son hélices de aviones.

Lo más raro de este film es la confusión que se da entre lo sueños y la realidad (de la película, claro), como estamos mirando detenidamente una escena de lo más convencional y aparece un pez gigante volando, eso nos descoloca pero nos invita a vivir un sueño, una fantasía.

Películas como esta deberían hacerse cada año, y deberíamos verlas y re-verlas para no olvidar nuestro sueños y tratar de hacerlos realidad.

Otro dato: No se asusten cuando empieza la película y ven unos esquimales, no se confundieron, es "Sueños de Arizona", y la belleza de esos fotogramas es realmente impagable.

Gracias Kusturica por esta y todas tus películas, gracias Goran Bregovic por la música que tanto alegra a los jóvenes en las fiestas Bubamara.

Y gracias a mi autocensura que NO me permitirá ver tu próxima película sobre Maradona...

Noche en la ciudad...Sábado!

Después de una breve presentación de mi persona y de mis puntos de vista acerca del séptimo arte, me tomaré el atrevimiento de opinar acerca de algunas películas.
Voy a empezar por una que disfrute mucho a pesar de su simpleza.
"25 watts" es una película uruguaya dirigida por Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, donde podemos disfrutar de un joven Daniel Hendler antes de convertirse en el actor fetiche de Daniel Burman.
Este film cuenta un sábado en la vida de tres amigos, Leche, Javi y Seba.
No pretende ser mas de lo que es, y eso es lo que la hace sincera y real.
Estos tres amigos podrían ser cualquiera, en cualquier barrio.
Plantea que se hace cuando no se sabe que hacer, cuando literalmente, y perdón por la expresión que voy a usar, se "está al pedo".
Una seguidilla de palabras podrían describirla: Sábado, Cerveza, Cigarrillos, Barrio, Amigos, Novias...un poco de todas las cosas que pasan por la cabeza de una persona a los 20 años.
Creo que quien viva en un barrio la va a disfrutar mucho más que yo, eso de salir a la calle y saludar gente, encontrarse a alguien y que te cambie el rumbo.
Es una película que personalmente recomiendo, pero no para cualquiera, para aquellos que andan rondando los veintipico y que disfrutan del humor de Hendler, ese humor que no es humor pero igual divierte.
Que conste que a mí es difícil que una cinta me haga llegar a emociones extremas, ni risa ni llanto, pero con "25 Watts" realmente pase un buen rato y hasta me reí...
pd: Vale aclarar que quienes fumen deben ver la cinta con un paquete de cigarrillos al lado y porque no, una cervecita bien fría (si es pilsen uruguaya, mucho mejor).

"Como la crítica manda..."

Siguiendo con la idea de como elegir nuestra película ideal, pasemos a un tema más que peculiar: la crítica.

Tenemos que tener en cuenta que la crítica que nos ha tocado en este país tiene pocos ejemplares sinceros, sobre todo porque pretenden configurarse como una élite de cinéfilos. Con estas palabras no pretendo meter a todos en la misma bolsa, sólo sugiero que nosotros como espectadores podamos leer aquellas líneas en un diario, una revista o una página web, teniendo en cuenta de quien provienen.

La crítica habla desde lo más subjetivo y es de eso de lo que se tienen que hacer cargo para que nosotros podamos extraer nuestras propias conclusiones.

Ciertas revistas, sin ánimo de ofender a nadie, no pueden reconocer una gran película aunque la tengan delante de sus ojos, y desfenestran a TODAS las películas argentinas, sólo por el hecho del país del que provienen. También desprestigian a toda gran producción de Hollywood, sin darle siquiera una oportunidad. No estoy diciendo que las películas argentinas sean todas una maravilla, de hecho hay muchísimas que funcionan como un excelente somnífero, solo pretendo que se le dé oportunidad a todos los géneros y clases.

No sigamos a la crítica al pie de la letra, busquemos amigos y gente cercana que pueda recomendarnos una película, esa gente que sabe lo que nos gusta y puede decirnos : "esta película a VOS te va a gustar mucho".

Y si no sigamos creyendo en las 10000 estrellitas que reciben algunas películas y sigamos aburriéndonos con films como "El sabor de la cereza"...

Esta es mi humilde opinión......

Como elegir una película sin morir en el intento...

Esta es una pequeña guía para que podamos elegir la película que mas se adecue a nosotros y nuestro gustos. Así de una vez por todoas dejamos de salir enojados del cine o preguntandonos por que mierda viene a ver esta cinta...

Lo primero y mas importante es no mentirnos a nosotros mismos, elegir a conciencia y no tratar de ser algo que no somos. No nos creamos que vamos a ser más cultos y mas cool por ir al Malba a ver una retrospectiva de Fassbinder, cuando no tenemos ni la mas remota idea de que es eso...

Seamos realistas y pensemos en las que películas que vimos y disfrutamos, aquellas que nos hicieron reír, pensar o llorar...Ahí esta el tema, yo se muy bien que a mí las comedias no me hacen reír en lo absoluto, por eso no iría al cine a ver "Mi super ex-novia", tambien sé que las películas sentimentalistas o de golpes bajos no me agradan, por eso es que no puedo ver las películas de Campanella, y ojo que lo respeto mucho en el trabajo que hace, pero simplemente a mi no me gusta...

Pero si puedo aceptar mi particular gusto por las películas de superhéroes, aunque todos me miren mal en mi Facultad, por eso ayer me tome el trabajo de ir al cine y ver "IronMan", no me importa que puedan decir los demás a mi estas películas me entretienen.

Otro tema son las críticas, no las tomemos al pie de la letra, leamos varias de diferentes medios y así y todo no dejemos que influyan en nuestro gusto...pero esto da para otra vez....

Sólo digamos como conclusión, que todo es una cuestión de gustos, como dice Bourdieu...

Yo espectador (el regreso)

¿Recuerdan aquellos dorados (y no tan lejanos) tiempos en los que ir al cine era toda una salida? ¿Recuerdan esa extraña sensación de ensoñación que se sentía al salir de una sala de cine? ¿Recuerdan lo que era aplaudir al final de una buena cinta?
En estos tiempos de avances tecnológicos, de reproductores de dvd, de televisores de plasma de 42 pulgadas, de dvd truchos en todas las esquinas, de entradas de cine que alcanzan precios desorbitados, es difícil pedirle a al común de la gente que recuerde lo que era “salir al cine”, siempre es mas fácil quedarse en la comodidad del hogar…
Aunque la tecnología evolucione día a día, nunca va a lograr igualar al cine, el cine nos permite escapar de nuestra realidad cotidiana por unas horas, a un mundo donde existen los magos, los superhéroes, las brujas; donde los muertos pueden volver a vivir, donde los piratas pueden ser buenos, y donde las familias tienen la piel amarilla y a pesar de ser bidimensionales nos parecen tan reales que los sentimos parte de nuestra vida.
El cine nos permite compartir emociones y sensaciones con completos extraños, nos permite entrar en un sueño lucido del que a veces es difícil despertar.
Por todo esto no me queda más que pedir: Volvamos a las salas de cine!!!

Publicado en Revista CINEMANIA año 4 N°43. noviembre 2007.

Yo espectador

Esperé mucho el estreno de Charlie y la fábrica de chocolate, la ultima película del excéntricamente admirable Tim Burton. El film nos inserta en un adorable mundo de fantasía que asombra y provoca risas. Con “sello Burton” en cada escena va mas allá de una simple historia para chicos. La fotografía es excelente y la actuación de Johnny Deep logra la ingenuidad y el misterio justos que requiere el papel de Willy Wonka, pero quien conmueve y enternece a lo largo de toda la cinta es el pequeño Charlie, quien ya había acompañado a Deep en el film Descubriendo el país de Nunca Jamás.

Publicado en Revista CINEMANIA año 2 N°18 octubre 2005